王易罡的艺术实践呈现出鲜明的思辨特质与东方式的禅机。这位游走于解构与重构之间的艺术家，将“放弃”作为一种创造性的知识生产方式，将“破坏”作为生命状态在画布表面的真实呈现。他强调“归零”的重要性，认为唯有不断放弃经验与文化惯性，才能挣脱重复的枷锁，让艺术回归直觉与本真；他选择让偶发性和即时性主导画面创作，其意义不在于结果，而在于每一笔瞬间触发的新生。这种对过程的痴迷，源于王易罡对艺术核心价值的思考——艺术作品的核心在于个人的真实，即个体直面生命时的瞬间感受。他拒绝“好看”的讨好式表达，把画室称为“斗兽场”，将身体与精神的挣扎烙印于作品之中，画布上那些混沌不定的、顿挫迟虑的痕迹，恰恰映射了人性中最真实的部分。近两年，在对个人真实的不断寻找与领悟中，王易罡对待生命与艺术更加通透豁达，也仍然坚韧果敢。他时常“在生与死的困惑中挣扎”，却也因此迸发出更强烈的创作冲动；他仰止于大师的高度，也乐观地勉励自己，要努力。他对真实的执着，既是对既定范式的警惕，也是对内心虚伪的剥离，体现了直面当下的勇气和决心。或许正是这份对真实的虔诚，让他的艺术始终保有野蛮生长的生命力。
RESPECT THE PRESENT MOMENT F68
布面油画
150×150cm
2022
库艺术=库：今年库艺术年度学术主题为“选择真理”。艺术中的“真理”，不是形而上学及科学中普遍、绝对、单一、静止的概念，而更像是一种表达的真实、瞬间的因缘际会，您是否认同这样的说法？您如何理解您艺术创作中的“真”？王易罡=王：真理是一个哲学层面的概念，是宏观的、普遍的、对生活对社会有指导性的东西，若转换到个人身上，应该是一种具体的个人的真实。每个个体对社会对生活总有一种看法，比如苦、乐、甜、酸、辣等等真实的感受。而在艺术创作当中，如何把自己内心真实的情感，通过材料和工具的选择以及行为方式给它表达出来，对每一个艺术家都是重要的课题。
如果说艺术作品，包括音乐、文学等等形式的作品，是建立在一个价值体系当中的，那么这个价值的体系的核心，我觉得就是真实。离开了真实，我觉得艺术作品就是不成立的，就任何意义也没有。有时候我们自己心里是一种感受，表现出来是另外一个东西，可能你心里很苦，却非要去表现一个美好的东西，这不是你内心的东西。也不能简单地去歌功颂德，永远唱赞歌，因为它远离了个人的真实感情。
F65
对我个人来说，寻求真实，包括寻求真理，是一个非常艰苦的过程。我们从小被教育得不会表达真实，不会表达真理，一直到上大学，学前苏联的绘画方式，我们被塑造成了一个不知道什么是真实的人。后来改革开放之后，我们再努力还原个体，还原一个人的独立精神，学会去寻找真实。无论是之前接受现代主义和西方的各种流派，还是我今天的绘画方式，实际上都是在不断地寻求个人真实的过程。而我现在是不断地自己和不真实的东西斗争，因为我们心里不真实的东西太多了，需要把不真实的东西排斥掉，把自己内心深处最真实的东西挖掘出来。这是我们要不断去寻找的，可能是要寻找一生的。
现在在绘画当中，我不喜欢一种很漂亮的东西。画出来很好看很美，我觉得这是非常讨好别人的，等于见着人就说好话，很不真实，很违心，所以我总是在想画一种不好看的东西。但是经常不知不觉地就又给画漂亮了，画好看了。所以我过去差不多十几年一直纠结于此，一直在进行虚伪和真实之间的搏斗。
F62
布面油画
100×120cm
2022
库：您警惕既定的艺术范式，主张“放弃观看”，试图排除对视觉的刻意追求和既有经验的影响。对视觉的放弃是否是您接近“真”的一种尝试？王：努力创造一种与你视觉没关系的东西，完全与你以往经验不一样的东西，可能相对来说它会更真实一些。我在大学读书的时候看过铃木大拙写的《禅与生活》，我看了这个书之后才懂得，人生整个是个过程，不是结果，人生的美好也都是在过程当中。所以要接受不完美，接受残缺。如何在作品中去强调过程，形成一种自然的和偶发的东西，我觉得实质是：尊重此时此刻。面对生活的时候，此时此地瞬间产生的东西，和你生活本身直接相关联的，才是真正有生命力的。那么如何去追求这些东西，我觉得必须得放弃以往的经验与知识，这样才能用一个新的态度、一个新的观念来面对此时此刻。我觉得放弃知识、放弃文化、放弃经验，这是我们谈所谓创造力的一个前提。离开这个前提，你只要是动笔，你要是还在用眼睛看，基本上80%都还是别人的经验，是你的知识文化在起作用。绘画也好，人生也好，你不敢归零的时候，你永远不会有创造能力的，因为你都是在重复别人东西。我现在也仍然是在重复别人东西，但是怎么能慢慢去摆脱这些东西，就是我强调的：一定要放弃、放弃、再放弃，不断地放弃。这个过程是非常痛苦的，说起来容易，做起来非常不容易。要有胆量，要有勇气，同时也要有足够的知识量，要不然没有一个很好的观念，你理解不到放弃的重要性。
J05我总说“瞎画”。你画一张行，你给我画一百张出来试试？画两百张、画一千张你都在这么画，那你就成大师了。没有对生活、对生命很深的理解，是做不到放弃的，也不敢放弃。所以，我觉得放弃是一个进步的开始，是学习的很好的起点。库：这其中有种悖论性的张力：您意识到放弃知识和文化的重要性，其实也是因为您学了太多；您放弃观看，但正是由于视觉文化的相关知识，才使得您的创作作为“艺术作品”成立。王：还有个悖论。新生儿从刚降生到童年的时候，直觉力、听觉力都很好，有无休止地去吸收新鲜事物的能力，但是这种东西我们是保持不住的，后天接受教育后，这些先天最好的品质就被毁坏了。我说要放弃，就是放弃这一段东西，回到童真，回到孩子的状态去面对生活、面对自然。但是在这中间有个问题，就是你首先要知道放弃什么东西。你要知道你要放弃啥，那你得先学过了这些东西，觉得这些东西对你是没用的，而且是有害的，才会把它放弃掉。你如果说什么也没有，没啥可放弃的，那你天生就大师了，我想很难有人会做到这样。另外，放弃对每个人也都是不一样的，每个人有每个人要放弃的东西。J07
简单来说，它就如同新生命对母体的反叛。任何一个新生命，必须得对母体进行放弃或者说反叛，才能诞生新的个体。我觉得对任何个体来说，在学习和成长过程当中，这是必不可少的，也是非常重要的一个环节。库：真正的无知识、无文化十分困难，也并不是您的目标所在。您其实是在借助不断放弃和破坏的方式，试图开拓出艺术的更多可能性？王：前面说到“放弃”知识，这是从观念上来说的。而从绘画本身来说，体现到具体画面上，“破坏”很重要。你就要破坏——有一笔，然后破坏一笔，再有一笔，再破坏。在破坏当中去建立，在建立当中去破坏。重复涂抹中的无数个瞬间，是对“空”的实证，颜料的堆积、拖曳、剐蹭、涡旋，解构了外在的意义框架，反而泄露天机一般地显现了生命本身的状态。这个不断破坏又建立的过程是悲情的、痛苦的，就像西西弗斯的石头一样，推上去又滚下来，永无休止，但我痛并快乐着。库：您在绘画过程中强调瞬间的偶发性，这种表层现象的偶然呈现，与艺术中真实的显现有着怎样的关系？王：我差不多从2016年开始接受白发一雄放弃眼睛观看、用身体绘画的方法。实际上我早在2002年左右就看过他的作品。经过了七八年的时间，我一直搞抽象，走投无路了，不知道还有什么方法，美国的波洛克、德库宁这些大师的形式语言走不到我心里去，这时候再看到白发一雄，我觉得他的东西是可以融到我心里的。他的很多想法是东方式的，和书法、禅宗有关联。比如说偶发性、即时性，都是瞬间发生的，让你直面生活、直面画布、直面你的身体状况，我觉得这个完全符合禅的想法；同时他又把视觉的观看方式给放弃掉了，正好暗合了我的思考。所以我就开始用他这个方法，用绳子吊着自己，用脚绘画。
创作现场
吊着画的过程当中，体现了最真实的东西。一方面就是你放弃了过去的经验，瞬间爆发出的东西，都是你自己产生的东西。你在画用脚画的过程当中，它完全形成一个偶发的东西，是你不可控制的，不可预料的，而且对结果又是未知的。你只有画完，把画布提溜起来的时候，才知道是这样子的。一件作品，最有生命力的是在过程，而不是在结果。我把自己用绳子吊起来，然后在画布上去处理这些颜料，强调人的行为方式、行为过程和画布之间的关系，自然地造就了瞬间偶发的这类作品。另外一方面，通过行为过程，身体的真实性也会在作品当中体现出来。你身体的状况、身体运动的轨迹、你的体力，在偶发的痕迹当中都会得到表现。身体不好的时候，就没有那么大力量，跑不了那么远，那个笔触划痕都是软的，没有力量的；你身体很好时，它爆发力会很强，冲击力很强，形成的视觉也是很震撼。如果你的身体状况完全是不对的，那画面呈现出来的状态也是不对的。
KEEP LEARNING, KEEP LEARNING HARD库：您是中国最早一批接触西方现代绘画的艺术家，吸收了抽象表现主义的营养，也受到诸如白发一雄等东方艺术家的影响，一直在寻找切合自己的表达方式。在这过程中，您是否会有寻找自己的艺术语言的焦虑？王：这种焦虑还是会有的。因为我们从改革开放以来，一直都是在学习西方的先进的文明，我们很难创造出来一种前无古人后无来者的东西。我们总讨论知识产权独立，实际上我觉得这个话题在我们今天这个社会上谈，稍微有点幽默。越穷的地方越研究钱，越没创造力的地方越谈创造力，所以我们整天喊着要创新。D01
布面油画
60×80cm
2025
D02
布面油画
80×120cm
2025
尤其是文化这方面。历史是一条河，它一定是有上下文的。我们人类传承和繁衍，一定是要有母亲父亲，继承一部分父母的基因，才能形成我们今天新的生命。学习的过程也是这样的，你是在前人的基础上，才走出你自己的语言，形成你自己的东西。这要需要很长时间，也许是几代人。当别人还在告诉你学那个是不对的，学这个是对的，当你学习的正当性都被规定的时候，还谈什么自主？哪有自主的权利？没自主怎么能创新？艺术也是一样的。我们学了这么多年，我是觉得不是我们学好了，而是学得还不够，还要继续学习，还要努力继续学习。我总说一句话，我说不求站在巨人的肩上，如果有一天能和巨人并肩而行，就是说你已经一定程度上形成你自己的东西了，这就已经非常难能可贵了。D03
布面油画
100×100cm
2025
D04
布面油画
120×100cm
2025
我们在学习任何人的过程当中不可能做到一模一样，就像我们小的时候学写作文，拿别人的一篇文章，用自己的语言改写一遍。像赵无极、朱德群也是画抽象，他们的语言就完全是自己的吗？那也不是，他也是学保罗·克利，学超现实主义，然后再把中国山水意境融汇在里面。他们在亚洲艺术中有很大的贡献，但在国外的地位实际上并不是那么高的。当然，他们已经很不容易了，算是有机会和大师并肩而行的人了，但和大师还是有距离的。真正能找到自己的语言，我觉得这个东西不是自己说了算的，要在历史中，可能一两代人之后，历史选择你留下，然后后人再总结这个人当时挺有特点，可能他有自己的语言。独立是在比较当中形成的，需要在同类中比，来看出差别。我觉得找独立艺术语言是非常难的事。当然肯定是还要努力了。要努力。
D05
布面油画
140×150cm
2025
库：您在多次个展的题目中都带有“色彩”一词，这是否反映了色彩在您创作中的重要性？王：马蒂斯说，素描属于心灵，色彩属于感官，要把色彩导入心灵的轨道。就是说，色彩是能辅助你顺利地把情感导入到精神轨道里面的一个工具。素描相对理性一些，色彩可能相对感性一些。色彩的表现力是非常强的，正确地使用色彩，能把内心情感相对准确地表达出来。色彩在我绘画的表现和精神情感的转换当中是非常重要的，所以我有几个展览的题目，比如 “色彩的赞歌”、“通過色彩”、“在色彩与情感之间”都用了色彩这个词。但是这不是我主观想强调的，因为色彩就像我吃饭一样，属于我生活的一部分，不是我刻意追求的一种东西。帕尔玛艺术博览会 2025
罗马艺术博览会 2024
我的作品是偶发的，色彩形成的视觉效果也是偶然的，所以我也努力去寻找偶然的色彩。但是色彩的基本原理要懂，不懂就没办法正常使用。这里头有一个基础问题，就是色彩表达的观念是需要有现代基础教育去形成的，而我们今天的艺术教育是缺少这样的板块的。因为我们的教育体系是从前苏联学过来的，无论是素描也好，或者是色彩教育也好，相对的科学性很差。所以你看前些年艺术家在创作的时候，几乎都不太会正确地使用色彩，最近这几年还好了一些。纽约秋季艺术周
米兰当代艺术画廊 2024
库：您在2024年武汉双年展里面展出了一件大型装置作品《无处不在》，您近年来也呈现了许多架上装置、现成品绘画的新作，突破了传统架上绘画的形式。您怎么看待绘画与装置的关系？王：绘画在过去很长一段时间都是为宗教、为有钱人服务的，而装置作品在诞生的时候就具有反博物馆制度、反收藏的意味。比如从杜尚开始，到后来的博伊斯、白南准等等，作品本身不是为了被收藏。在今天的中国，装置作品是也是以先锋文化的姿态出现的，它具有一种颠覆性、挑战性、刺激性。武汉双年展现场王易罡与嘉宾合影 2024
武汉双年展上这个装置是完全按我的想法去做的。我觉得装置不是为了美，而是为了现实与生活之间的转换，让人们从另外一个角度来看待现实生活。我想要反对那种工艺化、精品化的装置，那失掉了那种让人不舒服的刺激，没有了对现实的颠覆和反叛力量。所以，我收集了很多生活垃圾放进这件作品。在排列组合的时候，我也适当会有意地去选一些东西，比如木质的、金属的、陶制的、泥制的，包括管线，还有我过去的一些不成熟的作品，形成一个比较丰富的视觉大展会，想体现的是一种生活无处不在的感觉。
库：是否可以说，相比于平面绘画，装置使您在创作形式上更加自在自由了？
王：我2022年的时候做了一些小型的装置性的绘画，就是把现成品组合起来形成一件作品。当时主要是从直觉和材料比较的角度进行选择的。这些小型的装置绘画学术感很好，因为里头有过去的经验的东西在里面。所以放弃和使用始终是一个矛盾，是一个很纠结的问题。
F69
综合材料
160×140cm
2022
我现在还在做一些小型的装置作品。长时间地从事平面绘画，你会觉得很烦，就像天天吃饺子会吃腻。小型装置作品很丰富，会让你的感觉、触觉变得鲜活和立体，观看角度会多一些，能调剂对单一平面的使用。
库：在视觉图像泛滥、AI作画异军突起的世界图像化时代，“绘画”对于您来说意味着什么？王：绘画是能最直接地表达个人的独立意识和精神情感的一种方式，它完全是人性真实的一种体现。人性是未知的、不确定的，其中有许多模糊的、难以量化的痕迹——正像是我创作中身体与画布的对抗：绳索勒进皮肤的痛感、重力牵引下失控的笔触，这些瞬间的“不完美”恰恰是生命存在最诚实的刻度。AI作为算法的产物，依托大数据与逻辑推理生成确定性结果，它在处理商业图像上游刃有余，却无法触及精神层面的混沌与挣扎。那些被程序预设的“完美”，恰恰消解了艺术中至关重要的真实体验。AI可以是工具，但它取代不了绘画。我甚至觉得，它跟真正的绘画关联性不是很大。
库：作为艺术家，您坦然面对市场，这也是您“真”的体现。作品的市场表现会对您创作的纯粹性产生影响吗？王：作品在画室的时候是艺术品，一旦进入了市场，就变成一种特殊的商品。这个特殊商品的价值可以被炒作，也可以被包装。市场价格高，艺术家肯定还是蛮开心的；价格不高，对我来说，我也不会太在意这些事情。资本运作下的潮起潮落，看似热闹，但剥开表层，那些刻意制造的符号终会褪色。价格高了挺好，不高也行，无所谓。我觉得优秀的艺术家，都不会太在意市场的价格，而是会更多地去关注自己对艺术的理解和艺术的基本问题。
D08
布面油画
120×100cm
2025
库：在您四十多年的艺术生涯中，最核心的追求和支撑是什么？王：我之所以选择绘画，原因有几条，但最根本的在于：那些瞬间无法把握的事物，往往显得格外美好。然而，正因为它们难以掌控，过于敏感，便容易引发焦虑与不安，甚至激起莫名的愤怒。我的绘画大多源于这样的心理基础。美好与丑陋、新生与毁灭时刻伴随着我，每一天我都在生与死的困惑中挣扎。此外，我对生命自由的渴望也深深影响着我的创作。在有限的时间与空间中，我试图通过绘画寻找内在的自由，用各种可能的艺术形式表达对自由与束缚的焦虑。第三点则是对个人主义的强调。当今社会，个体独立精神的缺失导致了共性的泛滥与个性的匮乏。我试图通过个人的方式，唤起人们对个体独立价值的重视。这些，大概就是我今日绘画的理由了。
王易罡
Wang Yigang
1961 年生于黑龙江省齐齐哈尔市。
1986 年毕业于鲁迅美术学院油画系学士学位。
2012 年任中国艺术研究院创作研究中心特聘研究员。
原鲁迅美术学院教授研究生导师，三级教授，美术馆馆长。
中国美术家协会策展委员会委员。
◎《2024年度主题·选择真理》王易罡个案研究文献图书内页版面
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Rediscovering Color, Transcending Oneself
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马树青、英格丽·弗洛斯（德）、黄拱烘（德）
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2025年3月29日—9月
授课方式：
线上理论教学 + 线下实践创作 + 跟踪创作点评
线下授课地点：
北京
课程亮点：
从绘画观念、色彩理论到个体独立创作，体系化的课程设计，助力成员全面提升艺术创作能力。
全阶段成员权益：
- 参加本期工作坊举办的线上成果展，展示个人作品；
- 参选“色彩绘画”年度主题展览，获得更多展出机会；
- 获得由库艺术教育与“色彩绘画”研究中心共同颁发的结业证书；
- 优先获得现场参与《库艺术》举办学术主题论坛活动的现场席位。
