从录制音乐到现场音乐：探寻“音乐人IP”的进阶之路

从1到N，越来越多音乐人“卷”专辑

的确，空间音频录制不仅极大地提升了音乐的音质，使得每一个音符、每一段旋律都更加清晰、饱满，而且还通过精妙的音效设计，为听众营造出身临其境的听觉盛宴。现代空间音频的制作先是从立体声的角度创作，最后在混音的阶段，通过混音师的思想实现版本的重置，刘韧认为这就是未来的趋势。（回顾：一年来，杜比全景声音乐改变了什么？｜鹿姐观察）

随着越来越多音乐人在专辑阶段就进入到“卷”质量的阶段，对于听众来说，在全覆盖音响环境下，获得的沉浸式感受也会有质的飞跃。而数字音乐专辑质量的提升，对于打造音乐人IP的重要性也不言而喻。

通过空间音频录制等先进技术，音乐人可以将自己的音乐理念、情感表达以及创作风格完美地呈现在听众面前，从而更利于从作品维度，打造音乐人IP鲜明的音乐特色，从众多同质化的歌曲中赢得更多歌迷的喜爱。

音乐人关浩德Walter生于1993年，香港大学心理学专业毕业，因自幼喜爱音乐，大学毕业后又继续前往伯克利音乐学院学习音乐演唱与制作，曾与著名音乐人如陈奕迅、Tia袁娅维、单依纯、卫兰等人有过音乐上的合作。

音乐人IP，“人歌缺一不可”

那么，从“作品”到“人”，彼此之间的关联是什么呢？如何解释“歌红人不红”或“人红歌不红”的现象？

从版权公司的角度来看，歌红，版权就值钱，人红不红无所谓，爆款歌曲的泼天流量能否加持到“人”身上，目前看来有一定的运气成分。从造星的角度来看，无论是歌手、唱作人、摇滚乐队还是rapper，这些人都个性鲜明，极富有个人魅力。

一个成功的音乐人IP代表自然绕不开周杰伦。刘韧认为，周杰伦不仅是华语流行音乐男歌手，更是华语音乐流行文化的缩影和符号，是一个非常完整的音乐人IP。但现在已经不太可能再复制一个周杰伦。

不过，遗憾的是，这些年，大量的爆款歌曲诞生，但能留下来的歌手却凤毛麟角，能来到线下开巡演的音乐人更是少之又少，大部分热歌快速出现又消失了，更别提背后的“人”了。

2024年的环境则变得更加恶劣，抽象文化盛行，走红机制更加让人摸不着头脑。尤其是诺米么lodmemo堪称2024互联网造星奇观，以“抽象”名场面在短视频爆红，一夜涨粉300万，迅速登上音乐节舞台，排满了商演，走上人生巅峰。即便如此，诺米么lodmemo这个人是因为发布的MV歌曲《谢天谢帝》带出圈的。

对于歌红人不红，以及人红歌不红的现象，鹿明直言，最理想的情况是“歌红人也红”，然而就眼下来看，互联网时代下自媒体的发达是造成“人红歌不红”现象的关键因素：艺人依靠自媒体在网络上获得较多关注，产品依托并非音乐，而是在其他赛道上有所建树，如旅游等。

所以，音乐人IP不能脱离作品来讨论，如果没有音乐作品或是音乐作品相对薄弱，那么“音乐人IP”的主题就跑偏了。鹿明认为，即使账号运营得再成功，也会偏离音乐人的路线，就不是“音乐人IP”。

如果要打造一个真正在线上和线下都经得起考验的音乐人IP，行业内各个环节的从业者就要从音乐本身出发，最好能达成“歌红人也红”的成就。

关浩德Walter则以歌手方大同为例，否定了音乐人IP和音乐作品分割开的可能性。

方大同在今年发布新专辑《梦想家 The Dreamer》之前，已经淡出公众视野很多年，但作品一发布就引发了歌迷的轰动，紧接着新歌在社交媒体上引发了广泛的讨论和分享，许多网友在平台上分享了自己的感动，称赞他的音乐“疗愈人心”。

在关浩德Walter看来，作品是为音乐人说话的东西，如果没有好作品，那么音乐人IP的概念就不完全成立，而是明星IP或是别的IP。方大同在持续低曝光的情况下重回大众视野，依旧能够以优秀的歌手状态和过硬的作品，持续赢得听众的尊重和喜爱，这个现象就足以说明问题。

姜森对音乐人IP是“人歌缺一不可”的观点表示高度认可。然而，姜森认为音乐人IP的周期是一个伪概念，因为如果希望音乐人IP保持高热度和走红状态，不止需要优秀作品的持续以及稳定的产出，还需要制造能够一直保持高讨论度高关注度的话题，这与音乐人IP或多或少都是脱节的。

所谓的黑红也是红，在音乐行业是否也能套用呢？

姜森提到一些国外歌手，在走红的路上围绕着层出不穷的花边新闻，这给他们带来了数不胜数的流量。在花边新闻曝光后的涨潮期发布的新歌往往效果颇佳，可这是否能够称为音乐人IP的周期呢？目前没有答案。

AI无法代替人与世界产生沟通

从专辑到现场，版权和演出是音乐人最稳定且核心的收入来源。

而从音乐人IP的角度来看，如果能在线下有1万稳定的活粉持续为音乐人的演唱会买票，基本上这个IP就是成立的。所以，作为音乐人，无论线上流量有多大，真金白银考验号召力和影响力的还是“票房”——拥有一群稳定的购票歌迷，在此基础上不断扩圈，吸引更多人来到现场，更是持续放大音乐人IP的重要路径。

鹿明结合自己在行业内的经验分享道，在音乐人的发展中，与作品在线上的传播营销不同，线下更多是演出的模式，这也是一个完整内容的闭环。对音乐人来说，线下的价值更多是创作出作品后的舞台呈现，以此提升听众黏性，建立大众对该音乐人的全面认知。

线下演出更多是一个公司和艺人相互提出要求的过程。艺人得到线下演出机会，需要知道自己应该怎么演出，明确演出的形式、视觉包装等，并且对自己的声音驾驭能力有认知。这种线下演出一旦完成，音乐人就会来到一个更往前的发展阶段，当一个音乐人的价值放大到某一阶段后，线下演出就会成为“IP”和世界沟通的产品。

2024年，最火热的话题是AIGC，AI工具的发达是否会颠覆音乐人的生存？

刘韧更多从幕后视角出发看待问题，同多数业内人士的看法一样，刘韧也认为AI的到来不可阻挡。从录制音乐制作的角度来看，AI对于录音和混音的工作更多起到“帮手”和“秘书”的作用，AI对素材的预处理就好比做菜之前的洗菜切菜，能够免去许多麻烦，让混音工作更轻松。

刘韧认为，在混音制作的过程中、母带制作的过程中，AI的加持可以给予混音师更多可能性，提供更大的选择空间，大幅提升混音师的工作效率。

从音乐人的角度出发，关浩德Walter的态度则较为复杂。AI的强学习性质和日新月异的版本迭代赋予极速进步的能力，这对音乐人来说算不上乐观。

如今AI只是辅助工具，但长此以往发展下去，很多东西都会被取代。关浩德Walter说：“作为一个原创音乐人，我觉得我能做的音乐AI很快也能做。我现在发了30多首歌，有自己的特色，如果我的歌有80首、100首，AI可能很快就能完全学习到关浩德的风格。”

面对AI的发达，关浩德的答案是——抓住自己的表达，这是音乐作品的价值所在，也是人类音乐人存在的价值和意义所在。

主持人卫诗婕对待AI的态度则十分坚定——音乐人可以站在AI的肩膀上，人永远可以驾驭AI。

同样是内容创作者，卫诗婕非常能共情音乐人：“看到好的音乐人，好的作品没有被大众听到非常遗憾，有了市场的正反馈，创作者才能源源不断创作的动力，不断的带来更新鲜、更丰富的音乐，我们期待未来有更健康的生态和更丰富的音乐作品出现。”

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