出生于1950年的英国雕塑家安东尼·葛姆雷（Antony Gormley）以其独特的雕塑、装置和公共艺术作品在当代艺术界享有盛誉。他的创作将人体作为探索世界与自我的切入点，试图通过雕塑这一媒介重新定义人与空间的关系。他的作品不仅是形态上的视觉呈现，更是精神上的感知实验，邀请观众在与作品互动的过程中重新思考身体、空间与存在的意义。
安东尼·葛姆雷
摄影：John O’Rourke，©Antony Gormley
人体如何在空间中存在？葛姆雷的艺术创作始终围绕着这个核心问题而展开。在他看来，身体不仅是一个物理实体，更是感知与记忆的容器，是人与世界互动的媒介。他的雕塑作品通过抽象或具象的方式，将人体的形态与空间相结合，使观众能够感受到自身与周围环境的紧密关联。
在材料选择上，葛姆雷倾向于使用具有历史和地方特色的材料，如黏土、铸铁等，通过这些材料的质地与色彩，他的作品传递出了强烈的在地性与手工痕迹。例如，葛姆雷于1989年开始创作的系列作品《土地》，曾踏足澳大利亚、北美、南美、英国和欧洲。于2003年创作的《亚洲土地》（Asian Field）中，他与数百名广州市花东镇的参与者合作，用当地的泥土制作了约20万小型人像，展现了个体与集体之间的微妙联系，同时也表达了对地域文化的尊重与认同。这种对材料的选择与使用，使他的作品能够自然地融入不同的文化语境，并与观众产生共鸣。
《 亚洲土地 》 2003年黏土
图源：M+博物馆；摄影：梁誉聪
葛姆雷的雕塑作品不仅存在于美术馆或画廊中，它们也被广泛地置于公共空间。他认为，公共艺术具有激发对话与思考的独特力量。在与北京大学艺术学院教授彭锋的对谈中，葛姆雷强调，艺术的核心意义就在于与观众建立深层次的互动，创造出一个供人们反思的空间。他的艺术实践强调了观众在作品中的参与性，雕塑不再是孤立的物体，而是一种可触发感知的媒介。
2014年，葛姆雷于香港的展览《状态与状况》中，他通过重新构造画廊空间，引导观众感受城市环境的局促与人与空间之间的张力。观众穿梭于这些雕塑之间，不仅身体感受到了空间的压迫与释放，也在心理层面上得以反思日常生活中被忽视的身体经验与空间体验。
《短暂》
2022铸铁157.9 x 65 x 45.5 厘米
摄影：Stephan White & Co.
近年来，葛姆雷持续探索与推动雕塑的可能性。他的作品以一种诗意的方式呈现静止与永恒，使观众能够在快节奏的现代生活中停下来，与内心对话。他善于通过材料与空间的巧妙结合，唤起人们对自身与外界关系的关注。如今正在北京798常青画廊展出的个展《栖息之所》中，他以简单的砖块堆叠出大量人体形态，这些形态既显得沉重又具有某种超然的轻盈感。
在展览现场，观众可以随意穿行于这些雕塑之间，甚至可以坐下或躺在它们旁边，自由地与空间互动。这种形式既打破了传统展览的距离感，也激发了观众与作品之间的即时对话。这场展览是葛姆雷继《另一个奇异》（2009）和《屯蒙》（2016）后，在北京的第三次个展，这场展览将持续至2025年4月14日。
《休憩之所II》
2024132具红砖人形雕塑，尺寸可变
摄影：黄少丽
摄影：黄少丽
摄影：黄少丽